Yo iré como un caballo loco – Fernando Arrabal, 1973

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Iré como un caballo loco (V.O. J´irai comme un cheval fou a.k.a. “I will walk like a crazy horse”)

Francia, 1973

Director: Fernando Arrabal

Guión: Fernando Arrabal

Intérpretes: George Shannon (Aden Rey), Hachemi Marzouk (Marvel)

Género: Surrealista

Argumento

Tras la muerte de su madre, Aden Rey abandona la ciudad y se dirige en un jeep al desierto. Como la señora ha sido asesinada, la policía inicia una investigación. La desaparición del hijo resulta más que sospechosa para el comisario, y las autoridades se disponen a localizar a Aden. Éste, que procede de una familia de clase alta pero conflictiva, tenía una relación muy estrecha con su posesiva madre.

Una vez en el desierto, Adén se encuentra con una especie de anacoreta que vive entre las arenas. El extraño personaje, cuya única compañía son un camello, una cabra, una serpiente y unos escorpiones, nunca ha conocido la civilización. Cuando Adén le apunta con una pistola, el inocente hombre del desierto la toma creyendo que se trata de una flauta – y es capaz de tocar una melodía con ella.

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Adén y Marvel, que así se llama el enigmático individuo, pronto se hacen amigos. El joven de la ciudad (a quien la policía continúa buscando) tiene pesadillas y alucinaciones en las que rememora su infancia. Adén le habla al anacoreta sobre las bondades del mundo civilizado. Le enseña un maletín repleto de billetes, Marvel nunca había visto antes el dinero. “Con ésto puedes conseguir todo lo que necesitas” le dice Adén. “¿La salud? ¿El amor? ¿La felicidad?” pregunta ingenuamente el hombre del desierto.

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Santa Sangre – Alejandro Jodorowsky, 1989

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Santa Sangre

México/Italia, 1989

Director: Alejandro Jodorowsky

Guión: Alejandro Jodorowsky, Roberto Leoni, Claudio Argento

Intérpretes: Adán Jodorowsky (pequeño Fénix), Axel Jodorowsky (Fénix adulto), Blanca Guerra (Concha), Sabrina Dennison (Alma), Guy Stockwell (Orgo), Thelma Tixou (La Tatuada), Teo Jodorowsky (Chulo)

Música: Simon Boswell

Género: Psico-thriller surrealista

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Argumento

El pequeño Fénix, de unos 10 años, es un niño mago que forma parte del „Circo del Gringo“ en México DF. Su padre, Orgo, es un alcohólico lanzador de cuchillos siempre vestido de estrafalario cowboy. Su madre, la trapecista Concha, pertenece a una bizarra secta llamada “Santa Sangre”. Orgo tiene una amante en la compañía circense, una contorsionista con el cuerpo completamente tatuado que acostumbra a colocarse en la diana a la que Orgo lanza los cuchillos. Ella se excita cuando los puñales (símbolo fálico) se clavan a su alrededor, a escasos milímetros de su piel. Orgo tiene un ave fénix tatuada en el pecho.

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La montaña sagrada – Alejandro Jodorowsky, 1973

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La Montaña Sagrada (a.k.a. “The Holy Mountain”)

México/EEUU, 1973

Director: Alejandro Jodorowsky

Guión: Alejandro Jodorowsky

Intérpretes: Alejandro Jodorowsky (Alquimista), Horacio Salinas (Ladrón), Valerie Jodorowsky (Sel), Ana De Sade (Prostituta)

Música: Alejandro Jodorowsky, Ronald Frangipane, Don Cherry

Género: Fantástico/Surrealista

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Argumento

Un hombre con barba y melena despierta con el rostro cubierto de moscas. Aparece un enano sin manos ni pies y a continuación el hombre se encuentra clavado a una cruz en forma de T, mientras una multitud de niños se burla de él. Pero logra bajarse y ahuyentarlos. El enano le implora clemencia y ambos se hacen amigos tras fumar lo que parece ser hachís o marihuana. Caminan a través de una ciudad mexicana, donde hay un desfile militar/procesión de despellajados carneros crucificados y donde un ejército represivo ejecuta ciudadanos desarmados ante el deleite de los turistas. De las heridas de los muertos salen volando pequeños pájaros.

Los dos llegan hasta un “circo de sapos y camaleones” que escenifica la conquista de América. Los camaleones se mueven ataviados con plumas y adornos indígenas en una plataforma llena de blancas pirámides aztecas. Se aproximan tres carabelas de las que descienden varios sapos vestidos de misioneros y guerreros españoles a la usanza del siglo XV. A continuación todo el escenario va tiñéndose de sangre y se producen explosiones que lo destruyen todo, sapos y camaleones incluídos.

El hombre (similar a Jesucristo) y su amigo el enano tullido llegan a una tienda que vende cruces y figuras religiosas. A cargo de ese negocio están unos obesos legionarios romanos, que incitan al “Cristo” a beber una botella entera de tequila para provocar que caiga sin sentido. Una vez está inconsciente, lo desnudan y usan su cuerpo para fabricar un molde – que utilizan a su vez para producir centenares de figuras de Jesucristo a tamaño natural.

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Cuando el hombre despierta, tumbado entre montañas de patatas, grita desesperado al comprobar lo que han hecho con él; y a latigazos expulsa virulentamente a los “romanos” igual que Cristo a los mercaderes del templo. Después, presa de una gran furia, destruye todas las figuras que puede. Pero toma una y se la lleva, caminando con ella a través de las calles hasta llegar a una iglesia abandonada que sirve ahora como salón de baile: Sólo parejas de hombres están bailando, y uno de los dos porta siempre una máscara de gas. El principal músico de la orquesta lleva un sombrero con el símbolo del “ojo que todo lo ve” y una mujer sobre el tablado está caracterizada como diablesa.

El hombre coloca a la figura de Cristo sobre el polvoriento altar. De una Biblia salen gusanos como si se tratara de un cadáver en descomposición. Despierta a un individuo vestido de obispo, quien airado le expulsa del lugar.

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De camino se ha encontrado con un grupo de prostitutas que salían de otra iglesia. Entre ellas, una niña pequeña, a la que un viejo entrega su ojo de cristal. Una de las prostitutas, acompañada de un chimpancé, se enamora del hombre similar a Jesucristo y comienza a seguirlo. Éste, al haber sido expulsado de la iglesia por el “obispo”, procede a comerse el rostro de la figura del Cristo (moldeada a partir de su propio cuerpo) que hasta el momento llevaba con él. Lo que queda del muñeco lo ata a unos globos y el maniquí se eleva así a los cielos.

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El Topo – Alejandro Jodorowsky, 1970

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El Topo

México, 1970

Director: Alejandro Jodorowsky

Guión: Alejandro Jodorowsky

Intérpretes: Alejandro Jodorowsky (El Topo), Brontis Jodorowsky / Robert John (Hijo), Alfonso Arau (Bandido), Mara Lorenzio (Mara), Paula Romo (Desconocida)

Música: Alejandro Jodorowsky

Género: Western surrealista

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Argumento

Un pistolero vestido de cuero negro atraviesa el desierto junto a su hijo pequeño. El misterioso individuo, conocido como “El Topo”, descabalga y hace que el niño completamente desnudo entierre en la arena un peluche y la fotografía de una mujer: “Ahora tienes siete años y ya eres un hombre. Entierra tu primer juguete y el retrato de tu madre”.

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Padre e hijo continúan a lomos de su caballo hasta llegar a un pueblo abandonado donde ha tenido lugar una masacre. Charcos de sangre por doquier, cadáveres putrefactos, animales destripados… En el interior de una saqueada iglesia penden multitud de hombres ahorcados.

Se encuentran a un moribundo y el Topo le pregunta quién cometió esa atroz carnicería. El agonizante le ruega que le mate, pues no puede soportar el sufrimiento. El Topo le entrega la pistola a su hijo y es éste quien dispara el tiro de gracia. Tras ello, el Topo se coloca unos extravagantes anillos en los dedos.

No lejos de allí tienen su escondrijo un grupo de bandidos mexicanos fetichistas. Uno se deleita acariciando unos zapatos de mujer (a los que luego dispara con su revólver para practicar su puntería), otro corta un plátano a rodajas con su sable para despues comerse los pedazos, y el tercero delinea en el rocoso suelo la figura de una mujer usando piedrecitas para a continuación tumbarse sobre ella en actitud coital…

Los bandidos ven llegar al Topo y salen a su encuentro con burlesca algarabía. Cerca de ellos hay un rebaño de ovejas balando. Uno de los forajidos infla un globo, el cual coloca en el suelo. El aire va saliendo por un diminuto agujero, y todos entienden que cuando el globo se desinfle llegará el momento de desenfundar y disparar. El Topo es el más rápido y elimina a dos de sus oponentes. El tercero, que estaba en el centro, es desarmado, herido y cuestionado acerca del lugar donde se encuentra el resto de la banda y su líder. Cuando recibe la información que necesitaba, el Topo ultima al forajido y le mete al muerto sus anillos en la boca.

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Oro maldito – Giulio Questi, 1967

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(Reseña escrita por el autor del blog el 16.04.2008)

Oro maldito (V.O. Se sei vivo spara! a.k.a. „Django kill!“)

Italia, 1967

Director: Giulio Questi

Género: Western

Guión: Giulio Questi, Franco Arcalli

Intérpretes: Tomás Milian (Forastero), Marilú Tolo (Lori), Piero Lulli (Oaks)

Música: Ivan Vandor

Obra maestra del “spaghetti-western” (género que por cierto para mí siempre ha sido infinitamente más interesante que el cine del oeste rodado en los USA), a la altura del “Mannaja” de Sergio Martino y según mi criterio, bastante superior a los Djangos de Corbucci y al “Grande Silenzio” del mismo director. En su ámbito cinematográfico, solo las propuestas del comercial Leone logran eclipsarla.

Giulio Questi, para mí hasta el momento un completo desconocido, nos ofrece más de 100 minutos de puro goce visual lleno de sorpresas, propinando contundentes bofetadas a los convencionalismos del género. Porque el film que nos ocupa no es ni mucho menos un “spaghetti” de argumento corriente. Ésta genial película, condenada al ostracismo tanto por cinéfilos como por cinéfagos, ha sido calificada con razón como “western gótico surrealista” y se la ha llegado a comparer con “El Topo”, jodorowskyana contribución al Séptimo Arte que apareció un par de años después.

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Lo primero que vemos es una mano saliendo siniestramente de entre las arenas del desierto. Es la mano del protagonista, cuyo nombre no viene mencionado en ningún momento durante todo el metraje y al que llaman “the stranger”, el forastero. El actor que le da vida es un muy convincente Tomas Milian, intérprete ideal para el papel y curtido en numerosos productos hispanoitalianos de la época. Unos indios que merodeaban por esos contornos descubren al moribundo y logran sanarlo. Todo lo que desean a cambio es que les relate cómo es el mundo de los muertos, ya que él ha regresado del más allá. Los indios han transformado en balas el polvo de oro que el Forastero llevaba en los bolsillos, para que con ellas pueda vengarse de aquellos que le habían dejado en tan lamentable estado; semimuerto y enterrado.

Para conocer el transfondo del punto de partida que acabo de narrar, vemos en una lisérgica secuencia de flashback que Tomas Milian, el “stranger” sin nombre, pertenecía a una banda de forajidos multicultural que se hizo con un descomunal cargamento de oro asaltando a la comitiva de soldados que lo transportaba. Los problemas llegaron durante el reparto: El grupo está compuesto por estadounidenses “WASP”, indígenas mexicanos y nuestro híbrido protagonista, considerado “mestizo”. Los primeros, capitaneados por un canalla apodado “The Oak”, no están dispuestos a compartir el fruto de su atraco con esos “sucios indios”, por lo que los liquidan sin miramientos fusilándolos entre carcajadas.

Hasta aquí todo normal, el espectador piensa: “Claro, ahora el Forastero buscará a los traidores para vengarse; ese es el argumento de la película”. (Pero se equivoca…)

Por su parte, los bandidos gringos llegan a un pueblucho de mala muerte, de ambiente malsano y oprimente, donde deben adquirir nuevos caballos para proseguir su camino con el cargamento de oro sustraído.

Los pueblerinos, seres degenerados primitivos y sombríos que irradian una animalidad atávica, han descubierto que son bandidos y los linchan brutalmente (para hacerse con el oro, no hay otro motivo, aunque apelen a la justicia y al orden cínicamente).

Son masacrados con sadismo feroz y ahorcados en la plaza entre gritos de júbilo. (Hilarante la escena donde a uno de los bandidos el verdugo le quita el puro de la boca para ponerle la soga al cuello y luego se lo vuelve a colocar).

Sólo uno ha logrado zafarse de la municipal furia y ansia de sangre: The Oak, el jefe, el más importante.

En ese momento vemos llegar al poblado a un recuperado Tomas Milian que se dispone, gélido e impertérrito, a vengarse de The Oak; el cual cercado por los pueblerinos se parapeta en una tienda disparando desde la ventana. El Roble, con sumo terror, cree que el forastero es un espectro. Por ello le espeta: “¡Si estás vivo dispara!” (de ahí el título original del film). Y ya lo creo que le dispara: Lo deja como un colador, aunque no lo mata. A todo ésto se persona en el árido pueblo un ranchero cacique, que codicia el oro, escoltado por sus “muchachos” (un destacamento de rudos pistoleros vestidos de riguroso negro, que como después se hará más perceptible establecen una reminiscencia estética con la contemporánea “tribu urbana” de los moteros del cuero sadomasoquistas homosexuales).

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En ésta película participa Sancho Gracia, nuestro “Curro Jiménez”, como uno de los sicarios del ranchero (en la imagen a la izquierda).

El gordo ranchero se empecina con dejar con vida a the Oak para que éste confiese bajo tortura el lugar donde se oculta el áureo tesoro. Lo llevan al saloon para extraerle las balas y allí la turba de pueblerinos descubre que éstas no son de plomo, sino de oro, por lo que se abalanzan sobre el agonizante como hienas hambrientas para extraerle vorazmente las partículas del precioso metal, descarnándole y provocándole la muerte, para decepción del cacique y sus acólitos.

Lo que ellos no saben es que el oro ha sido previamente puesto a buen recaudo por dos individuos: El dueño del saloon y Hagerman, otro poderoso personaje del municipio que mantiene a su hermana enclaustrada en una habitación porque a su juicio “está loca”. El forastero Milian, que observa a la fantasmagórica hembra desde la arenosa plaza del poblado, siente desde el principio una fuerte atracción por ella, al verla asomada a la ventana.

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La “loca” Elisabeth (Patrizia Valturri) y el Forastero (Milian)

Ambos poseedores del oro rivalizan entre sí e intentarán a su vez hacerse con la parte del otro. En represalia y como chantaje, el ranchero ordena el secuestro del hijo del dueño del saloon, un adolescente mancebo al que los inquietantes “muchachos” dedican miradas más que libidinosas. Milian se propone liberarlo, y el ranchero que lo retiene le lanza un desafío: El chico raptado pende del techo colgado por las manos de una cuerda, el forastero deberá cortar esa cuerda de un tiro situándose a a diez pasos del pendiente joven. Pero a ésta prueba de destreza se añade otra deficultad: Antes de enfrentarse al reto, Milian debe beber de golpe media botella de whisky! “Quiero comprobar si además de buen pistolero eres también buen bebedor”, dice el cacique socarrón.

Hasta aquí cuento, y no más, sobre la trama y subtramas de este enrevesado y sorprendente western atípico; lleno de elementos metafísicos, alegóricos (Tomas Milian se asemeja en más de una ocasión a una figura mística – llega incluso a ser crucificado), satíricos y surrealistas.

Film de culto atemporal, fusión entre el spaghetti almeriense y el terror gótico, con toques lisérgicos y alucinógenos (lo que en efecto lo hace precursor de “El Topo”).

Mención especial al reparto animalesco: El loro alcohólico y el caballo-bomba.

FHP, 2008

La reina de las vampiras – Jean Rollin, 1968

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La reina de las vampiras (V.O. Le viol du vampire)

Francia, 1968

Director: Jean Rollin

Género: Terror surrealista

Guión: Jean Rollin

Intérpretes: Solange Pradel (Brigitte), Bernard Letrou (Thomas)

Música: Yvon Géraud

Argumento

El film está estructurado en dos partes relacionadas entre sí. El primer segmento es el más corto y dura sólo media hora, mientras que la segunda historia abarca los sesenta minutos restantes.

Cuatro hermanas residen solitarias y apartadas del resto del mundo en un lóbrego castillo en medio del bosque. Pese a su juvenil aspecto aseguran tener cientos de años, pues están convencidas de que son vampiras. Un viejo aristócrata las custodia y las manipula, hablándolas (en francés con acento inglés) a través de un extraño ídolo. Él les insiste obsesivamente con la idea de que son vampiras, de que pertenecen a una raza especial, y las advierte de no confiar en los extraños que están a punto de llegar… Pues al castillo se aproximan unos médicos que desean examinar a las muchachas para curarlas. Éstos doctores, entre los que se encuentra un psicoanalista, no creen que las hermanas sean vampiras, sino más bien que padecen trastornos mentales debido al largo aislamiento.

Los médicos procedentes de la ciudad, tratarán de persuadir a las chicas de que en realidad no son vampiras, de que el vampirismo no existe y de que lo mejor es que se sometan a un tratamiento. Uno de ellos es partidario de encerrarlas en un manicomio, mientras que otro propone una metodología más suave. Éste comenzará a enamorarse de una de las enigmáticas hermanas. El anciano inglés que las controla seguirá atentamente y no sin preocupación el desarrollo de los acontecimientos.

Al mismo tiempo, un habitante del pueblo cercano al castillo cree firmemente que las vampiras han asesinado a su esposa, y se dispone a emprender una venganza, agitando a los aldeanos contra las hermanas. Los rústicos lugareños, exaltados por su líder, son presentados de una manera casi cómica, como una torpe chusma primitiva. El hatajo gruñidor se dispone con sus palas y rastrillos a hacer picadillo a las vampiras.

Las chicas, acusadas (justamente o no) de los funestos crímenes de sangre que azotan la comarca, son asesinadas, así como algunos de sus protectores. Sucede ésto en una playa, y allí mismo da inicio el siguiente episodio… Ahora llega la Reina de los Vampiros, una mulata de cabello rizado muy corto y pechos al aire, que resucita a las muertas y castiga al viejo controlador inglés por su negligencia.

La Reina de los Vampiros y sus acólitos tratarán de afianzar su poder, mientras sus antagonistas, unos científicos que buscan el antídoto contra el vampirismo, se enfrentarán a ellos.

Comentario

Una vez más, Rollin vuelve a su temática predilecta: el vampirismo femenino. Como todas sus películas, ésta también está aderezada con grandes dosis de surrealismo, y tampoco podía faltar el característico eroticismo tétrico. Rodada en blanco y negro, “La reina de los vampiros” es una de las primeras incursiones de Rollin en el subgénero.

El título original de la cinta en francés es “Le viol du vampire”, es decir, “La violación de la vampira”; pero en ningún momento se ve tal violación durante el metraje (sí se habla de ella, sin embargo, pues al parecer una de las vampiras fue sometida a abusos “hace siglos”). Por una vez, el título español es más apropiado que el original. Una película algo posterior de Rollin también cuenta con nombre un tanto engañoso, pues se titula “La Vampire Nue” (en la versión española “Desnuda entre tumbas”), y allí la vampírica protagonista tampoco aparece desvestida… Se ve más carne en ésta que reseñamos que en “Desnuda entre tumbas”…

La trama es confusa, pero como en todas las películas de Rollin eso es lo de menos.

Las oníricas secuencias desfilan ante nuestras retinas mientras nuestros párpados luchan por mantenerse abiertos; la atención y la concentración resultan cada vez más complicadas. Lo que vemos en la pantalla se trata de un sinsentido, pero de un sinsentido hermoso, con estilo, un sinsentido poético. (Lo que no puede decirse de otras películas mediocres de similar presupuesto e intenciones como “Las flores del vicio”…)

Al igual que en “Desnuda entre tumbas”, la banda sonora está compuesta a base de ritmos y sonidos disonantes de saxofones, violines, guitarras y piano, que tratan de evocar una sensación de ansiedad y angustia.

Como en casi todas las películas de Rollin, aparece la misma playa; donde se ven los maderos en fila clavados en la arena, y adentrándose en el mar.

“La viol du vampire” no está ni mucho menos entre las mejores de Jean Rollin, pero es digna de ser visionada por aquellos que aprecien el estilo visual del gótico-surreal cineasta galo.

FHP, 2015

Las flores del vicio – Silvio Narizzano, 1979

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Las flores del vicio (a.k.a. The sky is falling a.k.a. Bloodbath)

España, 1979

Director: Silvio Narizzano

Género: Drama

Guión: Gonzalo Suárez, Win Wells

Intérpretes: Dennis Hopper (Chicken), Carroll Baker (Treasure)

Música: José Nieto

Argumento

En un pequeño, pintoresco y arquetípico pueblo costeño andaluz de casitas blancas, estrechas callejuelas y señoras viudas de riguroso negro se ha instalado un grupo de expatriados estadounidenses de costumbres decadentes y vida licenciosa. Entre ellos destacan Chicken (Dennis Hopper), una especie de hippy drogadicto; Treasure (Carroll Baker), una cuarentona ex-actriz fracasada; un militar retirado y un homosexual.

Ese grupo reside de manera permanente en el pueblo andaluz (sin interactuar con los locales), dedicándose al consumo excesivo de alcohol y estupefacientes, a fiestas degeneradas, a conversaciones estúpidas y a perder el tiempo (y a hacérnoslo perder a nosotros, los espectadores).

El personaje denominado Chicken parece estar durante todo el metraje bajo los efectos del ácido lisérgico, sufriendo un “mal viaje” permanente, y teniendo algunas ensoñaciones alucinatorias donde ve a su madre o a sí mismo de pequeño en el coro de su iglesia en EEUU. Se enamora de una joven turista sin que suceda nada que sea de interés señalar.

Treasure, la diva madurita caída en desgracia, escucha una y otra vez la (probablemente única) canción suya que tuvo éxito, rememora nostálgicamente su “época dorada” junto a su jovenzuelo amante (que para su decepción nunca ha visto ninguna de sus supuestamente famosas películas), y espera que “en cualquier momento” su “agente” desde EEUU la llame encargándole un nuevo trabajo. Cuando suena el teléfono y nadie responde, reacciona histérica y continúa alcoholizándose. El afeminado homosexual se dedica a tontear con un turista negro.

Por su parte, los folklorísticos pueblerinos están celebrando la Semana Santa, y no parece importarles que esos estrafalarios extranjeros hayan venido a turbar su pacífica existencia y a mancillar la quietud del municipio.

Un niño muere ahogado en un estanque, otro niño retrasado es aplastado por una turba de aldeanos que corren en un encierro taurino. Una turista negra amiga de Chicken es hallada muerta colgada de un gancho, y el homosexual sufre el ataque de un toro, que le empitona su asta por vía rectal. Todos éstos sucesos inconexos no afectan al inexistente argumento de ésta prescindible y aburridísima película.

Comentario

El título del film promete. “Las flores del vicio” resulta ligeramente reminiscente de la famosa obra de Baudelaire “Las flores del mal”. También el argumento en su punto de partida parece interesante: Unos excéntricos yankis morando en un tradicional pueblecito del sur de España… Uno de los títulos alternativos, “Bloodbath” sugiere incluso que van a tener lugar crímenes sangrientos y que estaríamos ante una especie de “giallo”, o que se producirá un enfrentamiento entre los extranjeros de costumbres depravadas y los sobrios lugareños. Por ejemplo, cuando un niño del pueblo es hallado flotando muerto en el estanque, podría imaginarse que los locales acusan de esa muerte a los “intrusos”. O viceversa cuando la amiga negra de Chicken que aparece en las primeras escenas acaba colgando de un gancho… Pero no, no va a tener lugar ningún “baño de sangre”. Nada de lo que acontece está hilvanado entre sí, produciendo un film sin trama al mismo tiempo que soporífero.

Aunque la película comienza bien, plasmando la atmósfera del pueblecito almeriense, pronto se convierte todo en un despropósito caótico, en un bodrio confuso, cansino e insufrible, y el espectador pierde todo el interés y las expectativas, volviéndose indiferente hacia los personajes que se mueven en la pantalla.

Con sus ínfulas pseudolisérgicas, que tratan de imitar frustradamente el surrealismo cinematográfico, éste producto infame perpetrado por el italo-canadiense Silvio Narizzano resulta tedioso y cargante.

Sólo merecen reconocimiento las facultades interpretativas de Dennis Hopper (Chicken) y de Carroll Baker (musa de Umberto Lenzi que interpreta a la frustrada y alcohólica diva Treasure).

Por lo demás, montaje catastrófico, y pésima calidad de imagen. Infumable.

FHP, 2015